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      Documenting and Archiving Art

      Documenting and Archiving Art

      Documenting and Archiving - creating the story around art and artists

      アートとアーティストをめぐる物語の作成 – 文書化とアーカイブ化

      I’ve been around now long enough to have both participated in art movements and to have seen them come and go. A thought that has been recently on my mind a lot is how history can either forget and discard artists or how they can remember and often times create bigger stories about other artists. Some of what is remembered is true and some of it is creatively expanding on truth. There is editing going on in history, art history to be specific here.

      長い間アートに参加しているので、いろいろなアートムーブメント・時代がおきて、去っていくのを見てきました。最近よく頭に浮かぶのが、歴史がどのようにアーティストを忘れたり見捨ててしまうのか、あるいはどのようにアーティストの周りのストーリをもっと大きくして、おとぎ話みたいにまつ祭るのか。記憶されていることの一部は真実であり、一部は真実を創造的に拡張しているものもある。歴史、美術史が作られている、記録されている間、エディティングもされています。

      While each artist could be held responsible for cataloging their work, the displays of their work, the articles and essays written about their work, the ephemera, their own correspondences, and photographs of themselves, that likely requires an extra set of hands and a brain dedicated to such matters. With time, the pieces that fill in the story around an artist or artwork can get lost, and rather quickly I’d say.

      各アーティストは、自分の作品の展示、作品についての記事やエッセイを書く、外とのコミュニケーション、写真を撮ること、自分一人でできることはできるかもしれないけど、手助けが本当は必要ではないか。時間が経つにつれて、アーティストやアートワークのストーリーを語るものが失われる可能性が大きいと思う。

      I was listening to photographer, artist Ed Templeton talking on a podcast yesterday about how he organizes the negatives in lettered and numbered folders/binders, which are now also digitally tagged with words such as “umbrella” that a quick search can be done across his entire archive. I suppose at this point any digital file can serve this purpose but if we’re not talking about digitally native pieces, we still run into a rather daunting production of either manually filing and cataloging or digitizing something and then doing so.

      昨日、写真家でアーティストの Ed Templeton がポッドキャストで、ネガを文字と番号の付いたフォルダー/バインダーに整理する方法について話しているのを聞いていました。フォルダーには、「傘」などの言葉をつけデジタルタグが付けられ、アーカイブ全体をすばやく検索できるようにしている。現時点では、どのデジタル ファイルでもこの目的を果たすことができると思いますが、デジタルでない作品は手仕事でファイリングするか、デジタルにしてファイリングするか、エキストラステップがあります。

      But going back to the in-between, juicy bits… I have been thinking about how all of that is just as precious, or possibly even more precious, than the artworks themselves. Like if you just looked at the Mona Lisa without knowing ANYTHING about it or ever having seen it before, would it be just as awe inspiring? I doubt it. The notoriety helps give the painting value. We like to think that the art should be judged on its own merit but that happens infrequently in real life. The art movements and artists with the best documentation and then the best story tellers using that documentation, I believe “wins”.

      アーカイブされたインフォーメーションは作品そのもの同じくらい、あるいはそれ以上に大切なものなのかもしれない。たとえば、モナリザについて何も知らずに、以前に見たことがなく、モナリザを見た場合、今と同じような目で見れるのでしょうか?評判は悪評は絵に価値を与えるのに役立つ。アートはそのままのメリットで人は見ると思うのでしょうがそれはめったに起こらないないでしょう。ドキュメンテーション・記憶をよくされたアート・アーティストこそが「勝つ」と私は思います。

      “Winning” could be fame or pricing but also just being remembered in the avalanche of art being produced. How much time and resources are dedicated to the documentation and archiving? Not enough in my opinion. 

      「勝つ」ことは、有名になる、作品の価格が上がる、大勢のアートの中から歴史が覚えてくれること。しかしどれぐらい時間と財源が使われているか?多分不足しているところが多いと思う。

      What don’t I know about that was absolutely mind-blowing and is now just lost to time, ephemeral? Everything on the surface that you can see is not just the tip of a much bigger iceberg but probably the stuff that has promotion behind it. Digging and more digging, being curious enough to dig and find, is key to unearthing artistic treasures.

      時間に失われた、儚い、素晴らしかったものは今はだれも知らない。私たちが見える、アートの下にはもっともっと大きなアートの山があるでしょう。見れる表面的なものはプロモーションがよくされたもの。アートの宝物を発掘するための鍵は掘って、掘って、もっと深く掘ること。

      Artist collaborations?

      Visual art such as painting or sculpture is one form of art that isn’t largely created through collaboration. We have the stereotypical artist working very much in private in our minds, perhaps tortured with their ideas and inabilities to put those ideas to real life, but very much alone with their thoughts and processes.

      絵画や彫刻などの芸術は、主に共同作業によって作成されていない芸術の 1 つの形態です。典型的アーティストは創造の中では一人ぼっちに苦しみながら作業をしているのが浮かぶ感じしませんか?

      It’s strange since most other forms of art such as dance, music, theater all pretty much require collaboration between people.

      ほかの芸術、踊り、音楽、演劇など、ほとんどが人々がコラボレーションを必要とするため、これは少し奇妙ではないでしょうか?

      If I think about short term, project-based collaborations creating fine art (as opposed to merchandise), I can barely think of any off the top of my head. The ones that most come to mind would be a theme based group show where perhaps the curator has come up with a theme and asks individual artists to create something to show, in a group exhibition. Not sure most of those can really even be called collaborative in terms of a give and take since everyone kind of does their own thing, then the curator has to make it come together in the space; everyone working separately at different times and places.

      商品を作るパートナーシップではなく、ファインアートの短期間コラボレーションを思い浮かぼうとすると、うーん何も浮かんでこない。最も思い浮かぶのは、グループ展で、キュレーターがテーマを考え出し、アーティストたちが依頼を受けて作品を作って、キュレーターが出来上がったものを一つにどうにかまとめる仕事。コラボレーションと呼ばれないよね。みんながそれぞれ一人ひとり作業を終えてから待てメル、ギブアンドテイクがあまりない例。

      Longer term collaborations feel less common… I’ve heard people say that collectors or institutions don’t want to buy or invest in work by artist collectives because they aren’t sure if they will last. I wonder if the opposite can also be true. That artist collectives don’t last because people are afraid to buy or invest in their work.

      長期的コラボレーションもあまり一般的ではないように感じます。コレクターや美術館は、アーティスト集団の作品が長持ちするかどうかわからないため、作品を購入したり投資したりしたくないと聞いたことがあります。その逆もあり得るだろうか。人が作品を買うのを恐れているため、アーティスト集団が長続きしない?

      Some of my favorite artists are artist collectives; Dearraindrop who I’ve worked with in the past and that still (as far as I know) operates at least sometimes as a collective, Forcefield who I’ve also worked with but who no longer work together collectively, and Gelitin who are still showing new work together.

      私のお気に入りのアーティストの中には、アーティスト集団が何個かいます。私が過去に一緒に仕事をしたことのある Dearraindrop は、今でも (私の知る限り) 少なくとも時々は集団として活動している。もう一つ一緒に仕事したことがある、Forcefieldはもう一緒に活躍はしてない。まだまだ新作を一緒に見せてくれるGelitinたち。

      I suppose like any rock band, some have members that can get along for a very long time or have more fluid relationships that offer more flexibility while others are like romances that burn extra hot and fizzle out quickly. There isn’t a point to this post, except to take a look at more artist collectives and marvel not only at what was produced but at the work that most likely went into working on and through relationships.

      ロックバンドと同じように、非常に長い間仲良くできるメンバーや、熱く燃えてすぐに消えてしまうロマンスのようにブレイクアップする中もいるでしょう。この記事を書く意味は深くなく、アート集団をもって探って奉仕委願いにすぎません。

       

       

      Is it good? Does it matter?

      Is the worth of art embedded in the craftmanship, skill, or technique used to create it? Does the worth come from the idea or ingenuity behind the concept? Does the worth come from social worth? All of these things to varying degrees?

      アートの価値とは、それを作成する職人技のスキル、技術に埋め込まれているだけでしょうか?価値は、コンセプト、アイデア、独創性から生まれてくるのでしょうか?または、価値は社会的価値から来るのか?それともこれらのミックスからくるものでしょうか?

      Tuxdog by Paper Rad, (spray paint stenciled) from my personal collection

      When I was in art school, I feel like the emphasis was always on skill first, concept second. If it was well made but maybe a not so interesting concept, I feel like that was still valued more than an interesting concept with not so well executed production. Is art as a product more important than as an idea?

      私が美術学校にいっていたころ、常にスキルを第一に、コンセプトを第二に重視していたように感じます。よくできていてもあまり面白くないコンセプトだったとしても、あまり上手く出来ていない面白いコンセプトよりも評価されていた気がします。アイデアよりも製品としてのアートの方が大事なのでしょうか?

      Art school completely skipped over talking about how art could become valuable (or not) based on how “cool” the piece or the artist was perceived to be. This is of course the part that has become an even larger part of the picture, and due to social media exponentially so.

      美術学校では、作品や芸術家がどれほど「クール」であると認識されているかに基づいて、芸術がどのように価値がある(または価値がない)かについての話し方を完全にスキップしました。 ソーシャルメディアのおかげでこの話はもっと大きく、もっと注目されてます。

      In the past, maybe it was being a man vs being a woman that helped the social status of an artist or a piece. Maybe it was coming from a well-known or well-regarded family? Maybe being associated in some other way with a popular figure? While I think those things are still true, there is now a way to harness the sheer number of potential fans and followers to push one’s artwork regardless of how well it was executed or how intriguing the concept is.

      過去には、芸術家の社会的地位は、男性であるのか女性であるのかが、インパクトがおおきくちがった。地位の高い家族からくる、有名な人とかかわる、今でも作品の評判に影響するけど、今では、ソーシャルメディアファンやフォロワーを使って、作品をプッシュすることができます、作り方、コンセプトがどうであっても。

      So then what is good art?

      じゃあ、よいアートとはなんでしょう?

      I feel like it really shouldn’t matter at this point. If YOU like it for whatever reason, even if the person beside you doesn’t like it, the art critics don’t like it, it’s not worth any money, no one else likes it…. It is good art to you and at the end of the day, isn’t that what matters?

      この時点ではどうでもいいのかもしれない。自分は好きだけど、隣にいる人は嫌い、評論家も嫌ってる、お金の価値何にもない、だれもほかの人は好きじゃない。。。でも自分にとってはいい、最終的にはそれだけが重要なのではないか?

      While I enjoy having a decent grasp on art history so that I can compare and contrast works that catch my eye with the information I have, to deny someone else their joy in discovery of something that moves them for whatever reason, seems cruel no matter how tasteless or derivative you think it is. I might think that an artist’s idea was brilliant but you might think it was created too crudely, another person might think “It’s interesting but you can’t sell it” and yet another person might shrug and say that they don’t understand it. Like the varied lives we each lead, let there be all different kinds of great art and let the value rest in those who wish to look upon or experience it, hold it, or acquire it.

       自分の目を引く作品と自分の持っている情報を比較対照できるように美術史をきちんと把握することをできますが、ほかの人のアートを発見する喜びを否定することは、残酷に思えます、作品がどんなに、自分の目から見てわからなくっても。一人ひとりこの世界を歩む道が違うみたいに、いろいろなアートの体験の仕方、買う理由、持つ、集める理由があってほしいです。

      Collecting Art アートを集めることについて

      Collecting Art アートを集めることについて

      Most lay people will consider where in their home to display the art that they are thinking of purchasing. If you can’t see it every day, what’s the point? On the opposite end of the spectrum, there are those who might barely ever see what they’ve bought after their purchase. It gets put into storage. Does your art need to be seen regularly to be of worth to you or does the monetary value the piece holds have the most meaning to you? There is of course the art that is more fleeting that you need to experience, like I talked about in my last post, and that is another category in and of itself.

      アートの収集について話しましょう。一般の人は家の中のどこに飾ろうかと、アートを買う時に考えるでしょう。毎日目にしなければ意味はあるのか?それと反対に、アートをいっぱい持っている人で、購入した作品をほとんど見もしない人もいっぱいいます。倉庫に保存。アートはあなたにとって見てこそ芸術的価値があるものですか?それともお金の価値を持ってもらえるものですか?もちろん別のカテゴリーとして、この前お話しした体験しないといけないアートもありますね。

      Erin Rosenthal and Leif Goldberg prints from my personal collection

      I’ll share some thoughts about my own collection. The physical pieces cobbled together mostly over ten to fifteen years when I was most active in the art world and the nfts that have been purchased in the last eight months or so. Most of my physical art collection is stored away in boxes, folders, and closets. I’ve recently started pulling things out and photographing them, mainly to be able to share the images with others but also as a conservation effort in case pieces get damaged or lost in the coming years. I have hundreds of works and although it might be possible to display all of the flat works on my walls if I smashed everything together, just framing them all would cost a fortune. The most common way for me to enjoy what I have has been to occasionally, every few years, just open up the closets, open the folders and boxes and look at things, then put them away. I suppose my actions are more like the collector who has a dedicated storage facility for their artwork, but just on a much smaller scale.  I do display some works around the house, but the vast majority is out of sight.

      自分のコレクションについての考え ‐アートの世界で最も活躍してた10-15年の中で一番絵とかを購入、最近の6か月ぐらいの中でNFTを買い始めた。NFT以外のアートはクロゼットの中の箱、フォルダーの中に誇んしてあります。最近全部出して、写真を撮って、画像をシェアできるようにしてます。歴史的にも折ぎなる以外の保存の仕方を考えないといけないと思ってます。何百枚も持っているので見せたくっても全部を飾ることができないし、フーレームするのもお金がかかってしまう。これまでは、2-3年ごとにクロゼットを開けて、一人で見て楽しんできました。そんな行動は、専用の保管施設を持ったアートコレクターのちびっこバージョンの感じ。家の中の周りには何枚かアートは飾っておりますが大部分は毎日見てません。

      "secret in the nerves in the hands of a very quiet old lady who used to train robots before the sun turned gray" by Santiago an NFT in my personal collection

      One of the things that I enjoy about collecting nfts is the fact that I don’t have physical pieces that I need to take care of. I can easily look at them to enjoy, I can share the images to show other people, and if I wanted to resell them the process is simple. Easier than trying to list an item on Ebay. People who are skeptical about nfts always bring up the question, “Well what do you do with it? You can’t hang it on the wall.” But the vast majority of my physical collection also doesn’t get hung on walls so to be honest there isn’t a lot of difference in that sense. I collect things because they speak to me in some way and because I want to support the artist. It’s like active voting for more of whatever I buy to continue being made and to populate the world. I also collect to collect. One part hoarding, one part archiving. We all like having “stuff”.

      なぜNFTを集めるのが楽しいか?と聞かれたら、一つの理由は「もの」の世話をしなくっていいというところが本当に便利。簡単に画面でいつでも見れるし、友達に画像ヲ見せたり、もし売りたかったらとても簡単。EbayやMercariで売るより全然簡単。NFTを疑問する人はいつもこんな質問をする。買ってどうするの?壁に飾れないじゃない?でも私のNFT以外のアートも全部展示してるわけじゃないし、あまり変わりないと感じてきました。アートを買う理由は作品がどこか心に響いた、このアーティストをサポートしたいから。自分が好きなもの、いいと思うものに投票を、買うことでする。あと単純にものを集めることが好き。一部は買いだめ、一部はアーカイブ。 私たちは皆、「もの」を持つのが好きです。

      If we’re talking about art holding monetary value, then not displaying it and keeping it secure is the safer bet. Even hanging things on walls has consequences due to UV light, moisture, dust, cats, whatever. But if you’re like me, that is the least of my worries. My favorite physical piece has no monetary value and hangs on the wall right above my toilet. It makes me smile and I look at it multiple times a day. It will probably eventually show damage from moisture, but it’s there to enjoy for as long as it can hold up.

      金銭的価値を保持するアートについて話す場合、それを展示せず、安全に保つことが重要ではないか。壁にかえるだけでも、紫外線、湿気、ほこりなどが原因で影響があります。でも私みたいな人だったらそんなことは問題だと思ってない。私の一番好きな作品は丘の価値なんか何もない。トイレの上の壁に飾ってあります。毎日、何回も見て、微笑みを与えてくれる。いつか多分湿気か何かでダメージ画出てくるでしょうけど、持ってもらえる限り楽しもうと思う。

      Do you think about how you buy and collect artwork? Do you do it purely to enjoy as decoration or for other reasons? I don’t believe there is a right or wrong answer, and it may for all of the above reasons and more that we buy art. I do think though, that reflection on our intensions from time to time can only be a good thing.

      自分がどのようにアートを買って集めているか考えたことありますか?ただデコレーションとして購入していますか?それてもほかの理由?あっている答え、間違っている答えはないと思う。様々な理由があるかもしれない。でも自分の理屈を振り返るのも時々良いと思います。

      The Art in Participation - 参加が生み出すアート

      The Art in Participation - 参加が生み出すアート

      image/s above and below taken at the closing party for Pauline Decarmo's "Exit" at LABspace

      Most people have in mind, the traditional way of experiencing art, as walking the halls of a museum or standing in a gallery and looking at art on walls. And while that is one way of experiencing art, I’ve always found that participating in some way, has always brought the most lasting and heightened art experiences into my life.

      多くの人は、美術館のホールを歩いたり、ギャラリーに立って壁に飾られたアートを見るのが、普通の体験方。それは一つの方法ですが、何らかの形でアートに参加することで、最も永続的で、高まった体験のメモリーをもたらされることに気づきました。

      One unforgettable example I can give, is an installation/performance at Leo Koenig Gallery in 2005 by artist collective Gelitin called “Tantamounter 24/7" where they built a large sculptural piece that was the “copier” and gallery goers could bring an item to be copied. You would place your item in the “machine” and some time later, a bell would ring, a light would turn on, and your 3-dimensional copy would be made for you to take home. The piece required participation to function and in return, participants were rewarded with physical pieces of/from the performance.

      忘れられない例の1つの例はGelitinと呼ばれるアーティスト集団による2005年のLeo Koenigギャラリーでのインスタレーション/パフォーマンスTantamounter 24/7です。彼らはコピー機に見せかけた大きな彫刻作品を作り、ギャラリーの訪問者はコピーしてもらうアイテムを持ってくることができました。アイテムを機械の中に置き、しばらくすると、ベルが鳴り、ライトが点灯し、コピーされたオブジェが作成されて持ち帰りができた。彫刻・コピー機の中にアーティスが入っていてギャラリーから見えないところで素早くオブジェを作ってました。作品が機能するために参加を必要とし、その見返りに、参加者はパフォーマンスからの作品で報われました。

      Tantamounter links

      Tantamounter 24/7 ( <p>Projects</p> ) | gelitin.net

      Brian Sholis on Gelitin's “Tantamounter 24/7” - Artforum International

      http://jameswagner.com/2005/11/gelitin_and_tan.html

      Another recent example is from the show “Exit” by artist Pauline Decarmo at LABspace. Decarmo’s inspiration for her paintings come from her childhood memories playing skelly in Queens, NY. Skelly could be called similar to playing marbles but played with bottle caps on a “board” drawn with chalk on the street.

      もう1つの最近の例は、アーティストPauline DecarmoによるLABspaceでのショー「Exit」です。Decarmoのインスピレーションは、ニューヨーク州クイーンズでスケリーというゲームを遊んだ子供の頃の思い出から来ています。スケリーはビー玉を弾くのと似ていると言えますが、路上でチョークで描かれた「ボード」の上でボトルキャップで遊ぶものです。

      For her closing party, she created a skelly board inside the gallery and encouraged gallery goers to play, giving them the simple rules. People who participated, were rewarded with being able to take home the custom bottle caps she had made for the day. In playing the game, gallery goers who had not known each other, learned each other’s names and cheered each other on. It created camaraderie and a communal joy that had not been there otherwise. And as a participant, when you are fully emersed in an experience, you are unlikely to forget it, where as an image only taken in through your eyes may not have the same effect.

      クロージングパーティーでは、ギャラリー内にスケリーボードを作成し、ギャラリーの参加者に簡単なルールを教えてプレイするように促しました。参加した人には、彼女がその日のために作ったカスタムのボトルキャップを持ち帰ることができた。ゲームをプレイする中で、お互いを知らなかったギャラリーの客は、お互いの名前を学び、お互いを応援したりしました。プレーする前にはなかった友情と共同の喜びを生み出しました。参加者として経験に完全に夢中になる経験とただ目で見る経験ととても違って忘れることはないでしょう。

       

      Separately, we can also talk about the gamification of obtaining art which is happening in (but not limited to) the Tezos blockchain’s NFT community. It has become “a thing” to, for example, require a person to purchase or hold a copy of one work to get the chance to get a new work, or to hold a copy or several copies of one work and “burn” it/them (burning deletes the copy of an edition), in order to receive a new work. And there have been other examples such as the “dare” that artist Xer0x made to people with his work “Trust” in which people had to put in offers (in escrow) for a new work, and he was going to give most of the copies away for free to the highest offers (some went to random bid offers). The game was in that the bidders had to trust that he wouldn’t actually accept the offers placed and take their funds. The highest original bid was roughly worth about $10,000 USD at the time.

      これとは別に、TezosブロックチェーンのNFTコミュニティで行われている(ここだけではないけど)アートを入手するゲーミフィケーションについても似ているところがあります。たとえば、新しい作品を入手する機会を得るために違う1つの作品のを一枚購入または保持すること、または違う1つの作品の何枚かかってそれを「焼く」ことでほしい作品が手に入れる。「焼く」という意味は削除するということ。そして、アーティストxer0xの作品「Trust」」の挑戦のような例があります。アーティストがエスクローに置かれたオファーを撤回しないことを信頼しなければない挑戦でした。一番高いオファーを置いた人たちがタダで作品をもれ得ました。当初の最高入札額は、当時およそ10,000米ドルの価値でした。

      If that is too confusing to think about, think of it like a real life role-playing video game where you need to buy or win items to trade for something else.

      それがあまりにも混乱して考えることができない場合は、他のものと交換するためにアイテムを購入または獲得する必要があるロールプレイングビデオゲームのように考えてください。

      Xer0x link

      Inside Xer0x’s Wise Rebellion  | A Life of Wonder (wordpress.com) 

      Muscle memory/physical acts as well as play/fun activities are pathways that get etched into our brains and produce strong emotions. If we are to connect deeply with art, especially for those who have yet to decide that they even like art, I think participation and play should be thought of more, in bridging artwork to an audience.

      体の記憶、楽しい活動は私たちの脳に刻み込まれ、強い感情を生み出すことができます。アートと深く関わっていくためには、アートワークを観客とつなぐために、参加と遊びをもっと使うべきだと思います。特にアートが好きだとまだ決心していない人に。